Les réalisateurs de « Forgotten Island » évoquent la magie du Studio Ghibli derrière la nouvelle aventure fantastique de DreamWorks

Comment Forgotten Island utilise l’animation pour rendre la mémoire visible

Dans Forgotten Island, le style visuel n’est pas simplement une couche décorative posée sur une aventure fantastique. Les réalisateurs Joel Crawford et Januel Mercado considèrent l’animation comme un moyen de montrer ce que l’on ressent en se remémorant : des souvenirs vivaces, instables, personnels et parfois différents de ceux d’un autre ami. Cette idée confère au film de DreamWorks une identité visuelle distincte des styles familiers du studio, tout en faisant en sorte que chaque choix esthétique soit lié au point de vue émotionnel de l’histoire.

Crawford a expliqué que les cinéastes ont commencé par se demander à quoi l’idée centrale devait ressembler à l’écran. Leur réponse : la mémoire elle-même. Une scène peut changer d’apparence selon la personne qui s’en souvient, ce qui permet à l’animation d’exprimer la personnalité d’un personnage plutôt que de simplement illustrer les événements. Une nuit passée ensemble par Jo et Raissa, par exemple, n’a pas à ressembler à un compte rendu objectif ; elle peut porter l’éclat, l’exagération ou les détails fragmentaires que chacune des filles y associe.

Cette souplesse rapproche le projet de Le Chat potté 2 : La Dernière Quête, où un langage visuel de conte de fées soutenait une histoire sur un personnage contraint de faire face à sa mortalité. Mais Crawford voit dans la volonté de DreamWorks de varier les styles une tradition créative de longue date, et non un changement soudain. Il a cité des œuvres antérieures du studio, notamment Le Prince d’Égypte et Shrek, comme des films qui ont eux aussi remis en question les attentes quant à l’apparence d’un long métrage d’animation.

Cette distinction est importante, car un « style maison » unique peut donner l’impression que des histoires très différentes sont visuellement interchangeables. Ici, l’approche des cinéastes permet à la forme de varier selon la température émotionnelle. Un souvenir peut sembler enjoué et amplifié, tandis qu’un moment d’incertitude peut devenir moins léché ou plus onirique. Ces choix invitent le public à lire les images comme une partie intégrante du récit, en observant non seulement ce que Jo et Raissa rencontrent, mais aussi la façon dont leurs expériences transforment le monde qui les entoure.

L’expérimentation visuelle donne également au film la latitude nécessaire pour équilibrer la comédie, l’action et la vulnérabilité, sans que ces éléments paraissent distincts les uns des autres. Si les images de l’île deviennent exubérantes au cours d’une aventure aux allures de fête, cette énergie peut refléter la perception qu’ont les filles du temps qui passe à toute vitesse. Lorsque le rythme et les images deviennent ensuite plus retenus, le contraste prend une dimension émotionnelle, car le public a déjà été emporté par l’élan des personnages.

Pour les spectateurs qui suivent l’animation contemporaine, cela s’inscrit dans une réflexion plus générale sur la manière dont les grands studios peuvent donner à chaque projet une véritable signature d’auteur plutôt qu’un caractère standardisé. L’entretien avec les cinéastes sur leur travail offre un autre aperçu des choix qui ont façonné le long métrage. Dans Forgotten Island, le principe visuel essentiel est clair : le style est le plus expressif lorsqu’il découle des personnages et du thème.

Le rythme effréné de Forgotten Island transforme l’amitié en aventure

Le rythme du début du film instaure une énergie vive et fébrile. Mercado a décrit l’intérêt des réalisateurs pour le montage des images sur la musique, une technique associée à des cinéastes comme Edgar Wright, dont le montage fait souvent du rythme une composante de l’action. Dans Forgotten Island, cette approche n’est pas qu’un effet de style tape-à-l’œil ; elle évoque la sensation d’une soirée mémorable entre amis, où un événement en entraîne un autre et où les heures semblent s’envoler.

L’insertion du morceau « Don’t Stop Believin’ » de Journey contribue à installer cette ambiance. Au lieu de traiter la musique comme un simple fond sonore décoratif, la séquence s’appuie sur sa pulsation pour structurer les transitions et les temps forts visuels. Le résultat suggère la façon dont Jo et Raissa vivent leur dernière nuit ensemble avant que leurs vies ne prennent des chemins différents : non pas comme un compte à rebours silencieux, mais comme une succession effrénée de moments partagés qui semblent plus intenses sur le moment.

Cette idée devient particulièrement importante lorsque les filles arrivent à Nakali. L’aventure sur l’île a le rythme d’une fête qui ne cesse de prendre de l’ampleur, les rencontres et les découvertes s’enchaînant avant que les personnages aient le temps de souffler. Mercado a rapproché ce rythme de la manière dont on se souvient de sa jeunesse : les détails peuvent s’estomper, mais la sensation d’ensemble demeure vive. Les cinéastes utilisent donc le rythme comme un outil narratif, faisant ressentir au public la vitesse de la nuit au lieu de simplement lui dire qu’elle a passé vite.

Pourtant, un mouvement constant affaiblirait les enjeux émotionnels si le film ne faisait jamais de pause. Crawford a souligné l’importance du contraste : après un voyage rapide et drôle qui suscite l’attachement à l’amitié de Jo et Raissa, un moment plus calme peut sembler d’un immobilisme inhabituel. Ce changement donne au public le temps de mesurer ce qui pourrait être perdu si les souvenirs des filles étaient menacés. Un ralentissement soudain peut se révéler plus puissant qu’une nouvelle poursuite, car le récit a habitué les spectateurs à s’attendre à du mouvement.

Les choix musicaux du film relient également son univers fantastique à la culture pop philippine contemporaine. Mercado a mentionné la chanson « A Parallel World » de BINI, dont les paroles évoquant les rires et les larmes partagés entre amis font écho au cœur émotionnel du film. Ce lien contribue à intégrer la bande-son à l’univers des personnages, plutôt que de donner l’impression qu’elle vient de l’extérieur. La musique, le montage et l’interprétation s’allient pour rendre leur amitié tangible avant que l’île ne la mette à l’épreuve.

Pour un spectateur hypothétique qui regarde attentivement, le rythme offre un indice précieux : quand les scènes défilent à toute vitesse, les personnages sont emportés par le tourbillon de l’expérience ; quand elles ralentissent, le film invite le public à s’interroger sur ce que représente leur amitié. L’entretien de ComingSoon avec Crawford et Mercado explique comment ces choix servent la construction émotionnelle du film. Son élan n’est pas une fin en soi ; il donne toute son importance à l’immobilité.

Le rythme du film reflète aussi son thème du passage à l’âge adulte. Jo et Raissa font face à un changement imminent dans leur vie, et leur voyage à travers Nakali rend cette transition concrète : une course contre l’oubli, portée par l’exaltation et la peur de s’éloigner l’une de l’autre en grandissant. L’aventure fonctionne mieux lorsque sa vitesse correspond à la façon dont les filles vivent le temps, faisant de chaque pause un rappel que certains moments ne peuvent pas durer éternellement.

L’influence du Studio Ghibli sur la construction de l’univers mythique de Forgotten Island

Mercado a cité le Studio Ghibli et Le Voyage de Chihiro de Hayao Miyazaki parmi ses principales sources d’inspiration créative. Le rapprochement tient moins à l’imitation de créatures ou de motifs visuels particuliers qu’à la manière dont le film invite les spectateurs à découvrir un monde inconnu. Les récits fantastiques de Ghibli font souvent confiance au public, qui peut s’imprégner d’un lieu à travers son atmosphère, ses comportements et les découvertes qu’il réserve, sans s’arrêter pour expliquer chaque règle. Crawford et Mercado adoptent une ouverture similaire pour Nakali.

Ce choix est important, car Forgotten Island puise dans la mythologie philippine, une tradition que de nombreux spectateurs aux États-Unis connaissent peut-être moins bien que les mythologies grecque ou nordique. Les réalisateurs ont subi des pressions de la part de personnes désireuses de voir représentés certains récits ou êtres en particulier. Mercado se souvient avoir compris qu’il serait impossible de répondre à toutes les attentes, surtout dans un long métrage au temps limité et à l’axe émotionnel bien défini.

Les cinéastes se sont plutôt concentrés sur l’histoire qu’ils souhaitaient raconter et ont travaillé avec le conseiller culturel Kirby Araullo. Sa connaissance du folklore et de l’histoire a permis à l’équipe de discuter des intentions derrière les adaptations. Cette collaboration a contribué à concilier deux responsabilités : honorer les sources culturelles tout en faisant des choix créatifs au service des personnages, du ton et de la structure du film.

Cette approche ne traite pas la mythologie comme une liste de références à cocher. La compréhension que Jo a de l’île est liée à ce qu’elle a appris de sa Lola, ce qui permet au savoir culturel de s’intégrer à l’aventure par une voie personnelle. Au lieu d’exiger que le public arrive avec un guide de référence complet, le film permet aux spectateurs d’apprendre en même temps que Jo. Il en résulte une construction d’univers fondée sur les relations, la curiosité et l’expérience.

Plusieurs choix illustrent cette stratégie :

• La découverte guidée par les personnages : Jo et Raissa découvrent Nakali en fonction des besoins de leur amitié, si bien que les nouveaux détails sur l’île comptent parce qu’ils ont des conséquences pour les filles.
• Des explications mesurées : Le récit apporte du contexte grâce aux connaissances familiales de Jo, sans transformer chaque créature en prétexte à un cours sur ses origines.
• Une adaptation éclairée : Un conseiller culturel aide les cinéastes à comprendre le folklore, tout en leur permettant de donner au film son propre langage dramatique.
• Une invitation à explorer : Le portail, conçu autour du soleil figurant sur le drapeau philippin, sert de porte symbolique vers un monde que le public découvre peut-être pour la première fois.

Cette dernière image revêt une signification particulière. Mercado a décrit le portail comme une invitation audacieuse : les filles s’y précipitent et le public est invité à les suivre. L’image rend le passage vers le monde fantastique accueillant plutôt qu’exclusif, tandis que son lien avec le drapeau confère à ce seuil une portée culturelle qui dépasse le simple spectacle.

L’influence de Ghibli se comprend donc mieux comme un principe de narration et de construction d’univers, et non comme un modèle à reproduire. Nakali peut rester mystérieuse tout en étant émotionnellement intelligible, car le point de vue de Jo offre au public un point d’entrée. Un monde fantastique paraît vaste lorsque les spectateurs sont invités à l’explorer en toute confiance.

Les racines personnelles et la représentation philippine au cœur de l’aventure fantastique de DreamWorks

Les fondements culturels de Forgotten Island sont également personnels pour ses réalisateurs. Crawford a déclaré que son épouse, née aux Philippines et arrivée aux États-Unis à l’âge de neuf ans, avait inspiré une grande partie de l’histoire. Le film n’est pas présenté comme un récit direct de sa vie, mais son expérience a contribué à façonner sa perspective émotionnelle ainsi que l’attention qu’il porte à la famille, à la mémoire et à la transmission du savoir culturel entre les générations.

Une scène vers la fin a pris une signification particulière pour Crawford. En écrivant une scène où Raissa parle avec Jo, plus jeune, il s’est imaginé une photo de son épouse enfant, souriante, aux Philippines. À la première, elle a regardé cette scène et en a eu les larmes aux yeux. Sa réaction a donné à la scène une portée qui dépassait sa fonction dans l’intrigue : elle reliait l’animation à un souvenir personnel qui avait contribué à l’inspirer.

Cette anecdote montre concrètement comment une expérience personnelle peut guider la réalisation d’un film d’envergure. Un détail ancré dans la vie d’une personne peut donner à une scène un caractère précis, et cette précision peut la rendre accessible à des spectateurs d’horizons différents. Au lieu de rendre l’émotion universelle en effaçant le contexte culturel, le film laisse le souvenir particulier porter sa propre signification.

L’approche de Mercado en matière de mythologie témoigne également d’un souci de représentation. Les réactions en ligne à l’annonce du film ont fait émerger des attentes quant aux légendes et aux créatures qui devraient y figurer. Il a compris que tenter d’inclure tous les éléments réclamés risquait de submerger l’histoire ; les réalisateurs se sont donc concentrés sur un point de vue cohérent et se sont appuyés sur l’expertise d’Araullo pour discuter des adaptations.

Cette méthode ne fait pas disparaître la difficulté de représenter une tradition culturelle vivante dans un long métrage d’animation grand public. Elle intègre cette difficulté au processus créatif. L’équipe doit décider ce qui a sa place dans l’histoire, de quel contexte le public a besoin et comment rendre une adaptation à la fois divertissante et respectueuse. Crawford a également noté que le conseiller comprenait l’humour des cinéastes, ce qui les a aidés à réfléchir non seulement à la justesse historique, mais aussi à la manière dont la comédie pouvait s’intégrer au ton du film.

Pour les familles qui regardent le film ensemble, sa structure ouvre plusieurs pistes de discussion. Un jeune spectateur pourrait s’intéresser aux créatures magiques et au portail, tandis qu’un adulte pourrait remarquer comment la relation entre Jo et sa Lola transmet un savoir à la génération suivante. Une personne familière avec le folklore philippin pourrait reconnaître certains éléments culturels, tandis qu’une autre pourrait avoir envie d’en apprendre davantage.

L’intérêt plus général du projet ne tient pas au fait qu’un seul film puisse représenter toutes les traditions ou trancher toutes les questions liées à l’adaptation. Il tient plutôt à la possibilité qu’une histoire fantastique personnelle centrée sur les personnages fasse une place à des récits et à des mythologies qui sont moins souvent mis en avant dans l’animation grand public. La représentation est plus forte lorsqu’elle est liée à des personnes, à des souvenirs et à des relations plutôt que traitée comme une simple étiquette.

Pour en savoir plus sur la production, l’article d’Animation Magazine consacré au voyage enchanté des réalisateurs revient sur le processus créatif à l’origine du projet. Les racines personnelles de Forgotten Island donnent à son univers fantastique un ancrage humain : l’île est peut-être mythique, mais les émotions qu’on y porte sont bien réelles.

Les enjeux liés à la mémoire dans Forgotten Island et les détails de sa sortie en 2026

Le synopsis officiel met en place le conflit émotionnel lors de la dernière nuit avant que les meilleures amies Jo et Raissa ne prennent des chemins différents. Elles découvrent un portail menant à Nakali, une île mythique peuplée de créatures liées à ce que leurs familles philippines leur ont transmis. La recherche d’un moyen de rentrer chez elles devient bientôt plus urgente lorsque les filles comprennent que leurs souvenirs — et leur capacité à se souvenir l’une de l’autre — sont menacés.

Cette menace donne à l’aventure fantastique un moteur dramatique clair. L’île n’est pas simplement une suite de lieux étranges ; elle met à l’épreuve le lien qui a conduit les personnages jusque-là. Si un souvenir disparaît, la perte ne concerne pas qu’un détail de l’intrigue. Elle peut changer la façon dont Jo et Raissa comprennent leur passé commun, ce qui rend les enjeux intimes même si le cadre devient de plus en plus fantastique.

La structure permet également de relier les deux idées centrales du film : grandir et se souvenir. Les filles sont déjà à l’aube d’un changement dans leur relation, et Nakali transforme cette inquiétude en danger concret. Il ne s’agit pas seulement de savoir si elles peuvent s’échapper, mais aussi de comprendre ce que signifie préserver une amitié lorsque les souvenirs qui la fondent sont menacés.

Ce principe crée un lien naturel entre le spectacle du film et ses scènes plus calmes. Une créature peut être palpitante parce qu’elle appartient à un monde étrange, mais l’aventure gagne en puissance émotionnelle lorsqu’une rencontre change ce que les amies savent ou se rappellent. En ce sens, la magie de l’île est plus efficace lorsqu’elle complexifie leur relation, plutôt que de détourner l’attention de celle-ci.

Le calendrier de sortie du film prolonge le parcours du public au-delà de son exploitation en salles. Forgotten Island est sorti en salles le 25 septembre 2026 et doit arriver en exclusivité sur les plateformes numériques le 27 octobre 2026. Les éditions physiques en 4K UHD, Blu-ray et DVD sont prévues pour le 1er décembre 2026.

Cette sortie échelonnée offre aux spectateurs différentes façons de découvrir le film : d’abord au cinéma, puis chez eux en version numérique, et enfin dans des éditions physiques. Le calendrier est utile à connaître pour tous ceux qui suivent les sorties de DreamWorks en 2026, notamment les spectateurs qui s’intéressent à la vie des longs métrages d’animation originaux après leur passage en salles.

Les détails de la sortie ne sont qu’un aspect de l’attrait du film. La question qui demeure est de savoir si son mélange d’amitié, de mythologie culturelle et d’animation expressive donne envie aux spectateurs de retourner à Nakali. En plaçant la mémoire au cœur de son univers fantastique, Forgotten Island donne à son calendrier de sortie un contrepoint émotionnel bien choisi : l’histoire nous interroge sur ce qu’il nous reste une fois l’aventure terminée.